Né en 1988, vit et travaille à Brest et Paris.

Diplômé de l’EESAB-site de Rennes en 2011. il a participé au 21e Prix de la Fondation d’entreprise Ricard Le Fil d’Alerte. Son travail a notamment fait l’objet d’expositions personnelles été présenté à la galerie Sator (2020), à la galerie Nathalie Obadia (2018), au Crédac – Centre d’art contemporain d’Ivry-sur-Seine (2017) et à Passerelle Centre d’art contemporain Passerelle de Brest (2015).

Les mots de l’artiste
Extrait d’entretien réalisé avec le service des publics du Frac Bretagne pendant la préparation de l’exposition. Nov. 2020.

“Dans la peinture en elle-même ça marche par séries, et donc finalement ce sont presque des questions de formats qui déterminent les séries. La complexité pour moi, c’est que je vais produire tout sur place, à partir de janvier. Ce choix de peindre sur place a plein de raisons différentes mais souvent la première problématique est une raison économique. Ça coûte moins cher de produire sur place que de payer du transport. Il y a aussi la question du format. S’il s’agit de grands formats, comme mon atelier est tout petit et ne me permet pas d’en peindre, c’est donc plus simple sur place. Et la troisième raison qui est peut-être la plus importante, mais qui est moins mise en avant, c’est que ça me permet de travailler avec l’équipe du centre d’art ou du lieu où j’expose et d’être complètement immergé dans l’exposition, surtout quand celle-ci est collective. C’est quelque chose qui amène beaucoup de choses, qui permet de rencontrer autant les artistes avec qui on travaille que les équipes qui travaillent sur place. En fait, pour moi l’exercice, dans ce cas-là, c’est de continuer un travail
« habituel » qui mélange un peu de l’abstraction, de la figuration et de la peinture de texte que je fais souvent, avec une porosité au contexte à l’exposition. C’est là-dessus que j’ai envie de dialoguer avec Elsa [Vettier], mais aussi avec les autres artistes, voir s’il n’y a pas des choses qui peuvent rentrer dans le travail. C’est un peu flou sur le contenu mais c’est à peu près la méthode.”

Née en 1989, vit et travaille à Rennes.

Diplômée de l’ESAAA d’Annecy en 2017, elle a présenté son travail à la Zoo Galerie à Nantes en 2018. Finaliste du Prix Sciences Po en 2019, son travail est présenté la même année aux Abattoirs, Musée – Frac Occitanie Toulouse et au Confort Moderne à Poitiers.  Elle fait partie de la 69e édition Jeune Création à Paris en 2020.

Les mots de l’artiste
Extrait d’entretien réalisé avec le service des publics du Frac Bretagne pendant la préparation de l’exposition. Nov. 2020.

“Ce sera une installation vidéo assez petite puisqu’il s’agit d’une exposition collective. C’est une vidéo qui fait partie d’une série d’installations, de performances et de vidéos qui s’appelle Parade sur laquelle je travaille depuis un peu plus d’un an. Cette série, c’est le troisième volet d’un plus grand projet qui s’appelle Bug Eyes, dans lequel des personnes se sont transformées en insectes géants. Il y a plusieurs étapes dans cette histoire qui a commencé par un fanzine qui s’appelle The Bureau, et par une série de télé-réalité animée par des marionnettes avec des têtes d’insectes, et cette troisième partie qui s’appelle Parade. Dans Parade, ces personnages mutants sont maintenant animés par des humains, des acteurs, des musiciens, qui portent des costumes qui sont faits en tissu récupéré et même maintenant teints. Je fais des teintures végétales, le tout dans des démarches très DIY, très inspirées de tutoriels Do It Yourself sur internet. C’est comme une espèce de fête, de mise en scène itinérante, rien que dans le nom, mais aussi qui fait référence aux parades des pièces des ballets russes, et à cette idée de mélanger des arts populaires avec des arts plus savants, et pour avoir beaucoup de collaborations. Je travaille beaucoup en collaboration, avec des musiciens, notamment pour ces parties de Parade, pour avoir les bons sons, dans la création des instruments, qui sont différents dans chaque vidéo et pour faire les performances en live. Il y aura aussi quatre petits dessins d’une autre série qui s’appelle SausageLand, qui sont des dessins au crayon de couleur très enfantins, très minutieux avec des personnages-saucisses qui habitent dans le pays des saucisses.” 

Née 1985, né en 1980, vivent et travaillent à Quimper.

Diplômés de l’EESAB-site de Quimper en 2008. Leur travaux ont notamment fait l’objet d’expositions au Frac des Pays de la Loire à Carquefou (2018), à Mains D’Œuvres à Saint-Ouen(2017),  à la Halle Nord à Genêve (2017) et au Quartier Centre d’art contemporain de Quimper (2014).

Les mots des artistes
Extrait d’entretien réalisé avec le service des publics du Frac Bretagne pendant la préparation de l’exposition. Nov. 2020.

P.B : “On a vraiment commencé par des petites choses, parce que techniquement c’est ce qui correspond à notre pratique, à notre travail. Comme c’est laborieux, très long, on ne reproduit pas le grain de la photo, mais c’est presque ça. On cherche à se rapprocher presque de l’hyperréalisme. L’avantage de travailler sur des grands formats comme ça, c’est qu’on est obligés de faire une économie de gestes. On voit plus la construction, notre trait, ce qui nous gêne un peu, mais pas tant que ça finalement, maintenant on l’assume un peu mieux.”

CG : “C’est surtout que les grands formats se rapprochent plus d’un geste pictural que d’un geste de dessin. Là, ce sont des formats qui sont presque à notre échelle, et si à l’intérieur de ces formats on a traité très minutieusement certaines parties, par exemple pour les lavis, on avait vraiment des très grands pinceaux. On a même fait à l’éponge certaines parties, il y a beaucoup de jus en fait.”

PB : “Je pense quand même que quand on est en face des œuvres, il y a un rapport au corps fort, on est englobé ou enveloppé. Dans notre travail de dessin-peinture, il y a une espèce de focale, souvent par exemple ce sont des dessins qui ne sont pas vraiment finis. Ils ne vont pas jusqu’à l’hyperréalisme total, et quand on les regarde de loin, il y a peut-être une sorte de manque, il y a quelque chose de diaphane, d’un peu transparent, et en s’approchant il y a une autre dimension. Il y a dans le déplacement engendré par le corps, un changement. Nous-mêmes, on dessine directement sur le mur, sur le papier tendu à plat. Il n’y a pas beaucoup de place dans l’atelier, il doit y avoir deux mètres de recul, et quand on peint dans l’autre pièce, peut-être quatre. Cette focale, ce sont déjà les déplacements de nos propres corps.”

C. G : “On a commencé par dessiner les objets qui se trouvaient juste devant nous et puis après en utilisant les différentes techniques de projection d’une image, soit rétroprojecteur, table lumineuse, vidéoprojecteur. Et quand on utilise ces outils-là, ça transforme aussi l’image de départ, ça fabrique d’autres matières et ça finalement, ça nous intéresse presque autant, la modification de l’image d’origine par tous ces filtres. On va sûrement faire pour l’expo au Frac une édition d’impression sur des post-it avec lesquels les gens pourront repartir, s’ils osent les prendre. Les détails ne sont pas encore définis, mais c’est cette idée d’intervention, surtout comme on présente des œuvres assez classiquement. Faire des petits dessins, des petits objets.”

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Né en 1980, vit et travaille à Rennes.

Diplômé de l’EESAB-site de Quimper en 2005 puis d’un MFA aux Pays-Bas en 2007. Son travail a notamment été présenté lors de la 9e Biennale Internationale de Design de Saint-Etienne (2015), au Printemps de septembre à Toulouse (2018). En 2019, il intervient sur un bus de la ligne 4 dans le cadre du Voyage à Nantes. En 2020, son travail fait l’objet d’une exposition solo à la Galerie Eric Mouchet, Paris.

Les mots de l’artiste
Extrait d’entretien réalisé avec le service des publics du Frac Bretagne pendant la préparation de l’exposition. Nov. 2020.

“Il y aura deux séries. Human experience : emoji designer, des pièces en céramiques qui sont au mur et la série des Human experience : pollution rising qui sont des sculptures présentées dans l’espace. Il s’agit de deux séries qui font partie d’une même famille “Human experience” que j’ai commencée en 2017, même si à ce moment il s’agissait vraiment du début et que je ne savais pas où cela allait me mener. Pour le dire simplement, cet ensemble me permet de faire de la science-fiction en faisant de la sculpture. Les pièces trouvent toujours leur origine dans des choses déjà existantes, que ce soit des objets ou bien des idées, des faits culturels ou autres, et je les transforme. Ça me permet d’injecter des choses dans mon travail, dans mes pièces, pour faire des sculptures en utilisant ce concept qui vient de la littérature et qui est la spéculation. Je spécule sur des pièces en utilisant des objets qui existent déjà, et parfois, coller un réservoir sur une piscine, c’est de la spéculation. C’est un geste de collage qui transforme ce qui était là avant. J’essaie d’écrire ce grand récit avec des séries de sculptures les unes après les autres.”

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Née en 1992, vit et travaille à Rennes.

Diplômée de l’EESAB-site de Rennes en 2016 et d’un programme de recherche post-diplôme à Shanghai en 2017. En 2018, elle fait partie du programme de résidence à destination des artistes émergents, Les Chantiers à Passerelle Centre d’art contemporain de Brest, à la suite de laquelle elle présentera une exposition personnelle. Elle a notamment présenté son travail au Musée des Beaux-arts de Rennes (2016), au Babel Lelab Festival d’Hangzhou et au SowerArt Space de Shanghai (2018) ainsi qu’au Parc-Saint-Léger Centre d’art contemporain de Saint-Léger de Pougues-les-Eaux (2020).

Les mots de l’artiste
Extrait d’entretien réalisé avec le service des publics du Frac Bretagne pendant la préparation de l’exposition. Nov. 2020.

“J’aime raconter des histoires et j’aime produire des formes. J’essaie de me débrouiller pour faire en sorte que les deux dialoguent ensemble. Je suis un peu passion céramique et même si je n’en fais pas tant, il y a une sorte de rapport au temps, à la vie de la matière, de la terre, de relationnel avec ce matériau qui m’intéresse beaucoup. Et qui peut paraître anecdotique comme ça, car de temps en temps il y a un objet en céramique dans mes installations. Mais en réalité ça ne l’est pas du tout, car c’est un rapport relationnel avec cette matière que je mets en place dans mes propositions. C’est lié, quoi qu’il arrive. C’est un rapport au corps aussi que j’ai dans mon travail, un rapport toujours très très présent. Les textes sont des histoires vraies, ce n’est pas de la fiction. Quand je raconte que j’ai été sur l’acropole etc.., ce sont des choses qui me sont arrivées. Donc le pourquoi du comment entre ces choses, racontées dans la vidéo de Rhapsodie en trois  est raconté comme ça s’est fait dans le réel. J’ai vraiment eu ce déclic avec ces tatanes Nike pendant que Maria nous parlait de la déesse Niké, et la photo qui va avec Rhapsodie en trois – les cartes postales -, c’est une photo que j’ai prise le même jour. C’est une photo que j’ai trouvée marrante, qui singe un peu Martin Parr. Mais j’ai gardé cette photo de côté. J’avais toute cette matière qui était là. Puis je suis partie en Chine et c’est là-bas, environ six mois plus tard, que j’ai commencé à me dire “cette matière je devrais en faire quelque chose.” Je commençais à voir toutes ces architecture néo-grecques, hyper fancy, là-bas, comme c’est la Chine, c’est l’excès, c’est génial. Dans ce projet il y a une gestion de la temporalité intéressante où toutes les histoires qui sont racontées se sont passées entre un an et un an et demi à trois mois avant mon départ en Chine, et tout le travail de vidéo et de mise en forme a été fait en Chine, donc il y a vraiment deux temporalité : vivre l’expérience et la transformer.”

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Née en 1987, vit et travaille à Brest.

Diplomée de l’EESAB-site de Brest en design (2010) et en art (2011), son travail est présenté au CAN de Neuchâtel en Suisse, à Passerelle Centre d’art contemporain de Brest et au Festival de L’Estran (2016). L’année suivante, elle part en résidence à Puerto Colombia dans le cadre de l’année culturelle France-Colombie. En 2019, elle crée un Pédilove dans le Canyon du Frac Bretagne et présente une exposition personnelle à L’apparté, lieu d’art contemporain à Iffendic.

Les mots de l’artiste
Extrait d’entretien réalisé avec le service des publics du Frac Bretagne pendant la préparation de l’exposition. Nov. 2020.

” Étant donné que je fais en général des installations qui sont assez foisonnantes, avec aussi bien de la peinture que des objets, ça veut dire que si je pensais à un nouveau dispositif – dans le cadre d’un Prix où on ne doit présenter qu’une ou deux œuvres par personne – il faudrait qu’il soit assez léger. De plus, avec le contexte de la crise sanitaire, l’interaction sera considérablement réduite, alors que c’est ce qui m’intéresse dans mon travail, ce n’est pas tant les formes que je développe, qui sont assez précaires et pauvres. Ce qui compte le plus, à mon avis, c’est le fait que les sculptures soient activées, qu’on puisse être dessus et les utiliser. Et là, dans ce contexte, ce serait forcément “fake” parce que les gens ne pourront pas l’utiliser, et ce côté désincarné de l’installation me déplaît. C’est la même histoire qu’avec le Pédilove, qui est inaccessible. Ce que j’ai proposé à Elsa [Vettier], c’est de faire des maquettes de dispositifs existants ou futurs. Avec ces objets plus petits ça me permet de pouvoir montrer 2 ou 3 projets, et restituer à l’intérieur les codes foisonnants de mon travail. Cet objet, même s’il est fait a posteriori, peut très bien être une maquette, une archive ou une sculpture en soi. Et comme le Pédilove est maintenant regardé depuis le deuxième étage, c’est déjà comme si on l’observait en tant que maquette. J’aime bien l’idée de jouer avec ce rapport d’échelle et d’avoir des choses toutes petites dans la salle, contre des trucs énormes ailleurs, mais qui sont regardés de la même manière. Les maquettes seront probablement posées sur des tablettes au mur, qu’on viendrait voir comme ça, toujours avec ma petite touche assez mal-faite (quand je dis maquette ça ne veut pas dire que ce sera précieux). Dans la salle d’exposition je pense aussi mettre des choses à échelle 1, comme les panneaux en bois que je fais, qui sont des adresses à l’attention du public sur le ton du tutoiement et qui remplacent en quelque sorte ma propre présence lorsque je ne suis pas là. […] Ça me permet de “jouer le jeu” en continuant à créer des espaces. C’est ce qui me manque, vu que l’interaction directe avec le public est difficile à envisager, notamment la performance. La maquette permet de répondre à cette situation, sous la forme de scènes ou de saynètes de théâtre.”

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Elsa Vettier est commissaire d’exposition et critique d’art indépendante. Formée à l’Ecole du Louvre et à l’Université d’Essex (Royaume-Uni), elle collabore régulièrement à des revues spécialisées dont Zérodeux, artpress, Critique d’Art, etc. Elle a précédemment travaillé aux côtés de Charlotte Laubard pour Nuit Blanche 2017 et avec Etienne Bernard et Céline Kopp à l’occasion de la 6^e édition des Ateliers de Rennes – biennale d’art contemporain. Ses projets personnels – curatoriaux et éditoriaux – émergent au contact des artistes et embrassent une pluralité de formats : entre exposition-performance (« Extasis Casual », avec Samuel Nicolle et Clara Pacotte, In-box Bruxelles, 2019), entretien-fiction (Saint-Pierre-des-corps, avec Jean-Charles de Quillacq, éd. Sombres Torrents, 2020) et collaborations radiophoniques (LL Drops, avec Kevin Desbouis, Julie Sas et Fabien Vallos, *DUUU radio, 2020). Elle mène également un travail d’accompagnement des artistes dans des contextes de résidences (Les Chantiers, La Malterie…) et au sein d’écoles d’art.