(No)Time
(No)Time
“Les mouvements peuvent-ils se connecter simultanément à une aspiration utopique et au désespoir politique? Au moment où nous sommes de plus en plus confrontés au conservatisme de droite, il semble urgent de bouleverser les conceptions progressistes du temps et de créer une scène pour quelque chose au-delà : à quoi ressemblera un mode minoritaire de temporalité?
Quatre interprètes semblent répéter des mouvements dans une étrange temporalité : lenteur extrême, désynchronisation, changements de rythmes, immobilité et des pauses. Les interprètes utilisent et mélangent souvent délibérément une gamme de mouvements inspirés du hip-hop, du dancehall, de la danse (post-) moderne et des performances de drag. Même s’ils·elles diffèrent sensiblement dans leurs styles, ils·elles se connectent par des similitudes soudaines, des mouvements obsédants et des souvenirs corporels, produisant et déplaçant leurs points de contact.
Si la fin du film est aussi son début, la séquence des scènes offre une expérience imprévisible du temps, notamment en semant le doute sur la mesure dans laquelle la lenteur et les ruptures sont opérées par les performeurs·euses ou par des moyens numériques.” Pauline Boudry & Renate Lorenz
LES ARTISTES
Pauline Boudry & Renate Lorenz travaillent ensemble à Berlin depuis 2007. Elles produisent des films, des installations et des sculptures fortement liés à la performance, chorégraphiant la tension entre narration et abstraction, visibilité et opacité. Leurs interprètes sont des chorégraphes, des artistes et des musicien·ne·s, avec lesquel·les elles ont de longues discussions concernant les conditions de la performance et l’histoire violente du regard, mais aussi sur la camaraderie, le glamour et la résistance.
Leurs travaux ont notamment fait l’objet d’expositions au n.b.k, Berlin (2020), au Centre culturel Suisse, Paris (2018), au Contemporary Art Museum, Houston – USA (2017). Elles ont, par ailleurs, représenté la Suisse lors de la 58e Biennale d’art contemporain de Venise (2019).
En attendant de rouvrir nos portes aux publics, nous accueillons les professionnels sur réservation.
Visuels : Pauline Boudry & Renate Lorenz, (No)Time (capture), 2020. Crédit photographique : Aurélien Mole
Go ghost !
Go Ghost !
À travers une esthétique « fait-main » et une approche spontanée pleine d’humour et d’ironie, Francesco Finizio développe une pratique basée sur l’observation d’incidents et de phénomènes qui interrogent autant les notions de transaction et de valeur, que de signification de nos constructions culturelles. Ses installations sont à la fois des modèles et des événements. Ainsi la représentation d’espaces planifiés pour des activités commerciales, pour l’habitat, l’exposition, la construction, l’archivage ou encore le travail, ont un aspect programmatique qui permet de spéculer activement sur les usages, les statuts et les sentiments que ces espaces cultivent.
Pour introduire son exposition au Frac Bretagne, l’artiste prend la parole. Poétique dans la forme, proche du slam dans ses sonorités, son texte ci-dessous se veut à la fois prise de position et amorce narrative.
Une bête balancée dans un espace vide, un champ ou une cage
Se précipitera vers le coin
Un espace vide s’annonce.
Froid et sombre.
Un interrupteur niché discrètement
Permet de s’exercer
À jouer au maître du jour et de la nuit.
Extinction. Allumage. Cool white. Un blanc béant.
w O mb
r OO m
t O mb
C’est-à-dire le ventre (maternel), l’antre, et le tombeau en anglais
Partagent une voyelle
Qui fait O-ffice d’O-uverture
Qui sonne pareil mais se dédouble dans le mot “room”
Pour indiquer un va et vient peut-être,
Que l’on puisse entrer et sortir à son gré
“Every day I push the broom across the room to make some room for the next day.” (“Chaque jour je balaie la place pour faire de la place pour le jour qui suit”)
Un espace est bien plus que le jeu de ses murs, de son sol et son plafond, de ses portes et ses fenêtres
Un espace devient ce qu’il est selon ce que tu y mets, comment tu organises les choses, leurs qualités respectives.
Comme démontré si bien par Martin Kippenberger dans “The happy end of Kafka’s America”
Comme le montre mon travail “How I went In and out of Business for seven Days and Seven Nights”
Je m’intéresse aux espaces qui se construisent depuis l’intérieur plutôt que d’en haut
L’exploration spatiale commence au bout des doigts
Je m’intéresse à l’espace pluriel et mobile. Il a lieu, est et a été.
Je m’intéresse au moment où une chose devient plusieurs.
Les contours se floutent. Les formes se meuvent.
On divague précisément, porté par le battement incontrôlable d’une paupière.
La tyrannie linguistique des marchandises nous enseigne qu’une table est une table est peut-être une table à manger mais n’est certainement ni un bureau ni un établi
Une table est aussi un lit, un abri, un radeau, un bouclier, un table-au
C’était ça l’idée derrière mon expo ARKPARKCRAFTRAFTCLINICLUBPUB à MOBY, Bat Yam, Israël
Où le vaisseau qu’est le batmen même devenait tous ces espaces à la fois.
Il faut mettre les noms de côté pour expérimenter les choses à nouveau.
Le langage a besoin d’épaississants pour que les mots se gardent plus longtemps en bouche
Il faut remettre le pâteux dans la poésie.
Que c’est triste de voir une chaise réduite à un ensemble de représentations logocentriques.
Alors qu’on pourrait penser les choses par affect tel pose cul plume
“Jam Econo” comme chantaient les Minutemen.
Faire avec des marteaux à la place des mains.
Opposer le gauchisme de deux mains gauches au pouce qui s’impose par opposition
S’abrutir pour faire connaissance des choses, les aider à parler d’elles mêmes
Lo-fi semper fi : les coquillages font bien office de cellulaires
Le prototypage rapide basse-res laisse l’imagination libre de penser et peser le meilleur et le pire.
Finir est plus loin que je souhaite aller.
Pratiquer la corde raide des bouts de ficelles
Organiser, désorganiser, confondre et inconfort.
GO GHOST !!!
Les fantômes ne fabriquent point. Ils font bouger les choses.
Ils font trembler les vitres et les murs, deplacent meubles et objets, secouent la maison et tout ce qu’il y a dedans…
Ils provoquent rencontres et collisions, squattent les corps comme des voyous s’emparent d’une caisse pour une virée nocturne…ils les possèdent
Pour ainsi dire – de la ventriloquie
Mon économie est celle du comique de stand-up
Un verre d’eau et un micro, peut-être un tabouret pour quand le verre fatigue.
La condition du comique de stand-up n’est pas sans ressembler à celle de l’anachorète : on bosse son truc, spartiate et solitaire
Bunuel l’a exploré avec son Simon du Desert.
Les dépenses sont minimes, le stockage n’est pas un souci.
Une économie stand-up
Je me rappelle une prof aux beaux-arts qui nous reprochait nos boutades
Crimes abjects à ses yeux
Mais si tes boutades sont bonnes et tu arrives à en aligner plusieurs, tu auras vite ton répertoire
Et peut-être que cela te permettra de dire plus que ton auteur américain moyen dans un pavé de six cent pages. *
* Ce texte est une traduction. Retrouvez la version originale sur la page en langue anglaise de ce site.
L’ARTISTE
Francesco Finizio (1967, Etats-Unis), vit et travaille à Plouzané.
“Le travail de Francesco Finizio s’imprègne de l’oppressante saturation matérielle qui nous entoure. L’artiste utilise des ressources quotidiennes ; des moyens simples mais sophistiqués qui lui permettent de concrétiser ses recherches sur le langage et les gestes du consumérisme et des médias de masse. Ses travaux renouvellent ainsi de manière poignante notre façon d’envisager et d’articuler notre condition économique, culturelle, sociale, politique et artistique.” Joshua Simon, neomaterialism.tumblr.com, mis en ligne le 20 février 2015, [consulté en ligne le 29 janvier 2021]. Disponible sur https://neomaterialism.tumblr.com/
Francesco Finizio est diplômé d’un Master of Fine Arts au Hunter College de New-York en 1992. Il réalise en 1997 un post-diplôme à l’École supérieure des Beaux-Arts de Marseille. De 2000 à 2005, il enseigne la sculpture et la vidéo à l’Université d’Aix-Marseille. Il est aujourd’hui enseignant à l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Brest. Son travail a été notamment présenté au MOBY, Museum of Bat Yam de Tel Aviv – Israël (2015), au CAN de Neuchâtel – Suisse (2016) ou plus récemment à la Galerie RDV à Nantes (2019).
+ En savoir plus sur le travail de l’artiste sur le site de Documents d’Artistes de Bretagne
En attendant de rouvrir nos portes aux publics, nous accueillons les professionnels sur réservation.
Visuel : © Francesco Finizio. Crédit photographique : Aurélien Mole
Mauve Zone
En partenariat avec :
Mauve Zone
Exposition des finalistes du Prix du Frac Bretagne – Art Norac 2021
« Située aux confins de notre réalité – si l’on en croit les occultistes qui lui ont donné son nom – la « Mauve Zone » n’a ni contours, ni matière. Seuls des états de perception modifiés permettraient d’y accéder et de comprendre les relations qui se trament entre notre monde et cet espace parallèle. Région de possibles mutations du réel, elle apparaît dans de nombreux scénarios de science-fiction sous des formes allégoriques, toujours baignées de pourpre.
L’exposition « Mauve Zone » regroupe les sept artistes nommé·e·s pour le Prix du Frac Bretagne – Art Norac 2021.
Tous et toutes se connaissent de plus ou moins loin.
Certain·e·s sont né·e·s en Bretagne et/ou y ont fait leurs études, d’autres s’y sont installé·e·s récemment. Que cela soit depuis Brest, Quimper ou Rennes, chacun·e d’entre eux·elles entretient une relation spécifique à cette région sans que l’on puisse aisément déceler dans quelle mesure elle influence leurs pratiques respectives. L’exposition propose d’envisager de manière ouverte leur appartenance à une « scène bretonne » pour mieux appréhender les autres zones – sensibles, fictionnelles, géographiques – que leurs travaux investissent. S’il fallait les inscrire dans un territoire précis, celui-ci serait, à l’image de la « mauve zone », mouvant et sans frontières claires. D’autant plus que dans leurs œuvres, comme au sein de cette doublure de notre réel, les signes, artefacts et apparences sont en permanence rebattus et réagencés. Ainsi une pizzeria peut tout à fait se transformer en cabinet de psychanalyse ou une arme traditionnelle japonaise rencontrer un emoji. Et tandis que les humains sont transformés en insectes, les oiseaux, eux, prennent des postures anthropomorphes. Les symboles (archéologiques, numériques) sont transvasés ; les motifs s’agrandissent et se déforment, se cristallisent ou se dissolvent, passent d’un royaume figuratif à un règne abstrait. La zone est patchwork. Chacun·e travaille à collecter un monde en pièces détachées, à mettre en relation les sujets et matières qui se trouvent à leurs pieds. Leurs gestes n’ont rien de nouveau ; tout est question de périmètre : l’atelier, le jardin, la casse, le centre commercial, Shanghai, l’Antiquité, la Modernité, demain.
Visiblement, se respire en Bretagne un gaz hilarant qui fait bizarrement sourire leurs représentations, qu’elles soient êtres hybrides, objets ou ponctuation. La zone s’étire jusqu’à la commissure des lèvres. Elle n’a jamais été aussi mauve.»
Le Prix du Frac Bretagne – Art Norac 2021
Lancé en 2020, le Prix du Frac Bretagne – Art Norac est un dispositif de soutien au développement professionnel international des artistes vivant et travaillant en Bretagne porté par le Frac Bretagne grâce au soutien d’Art Norac, association pour le mécénat du groupe Norac. L’ambition de ce Prix est d’accompagner des créateurs de la scène artistique régionale vers une expérience à l’international afin de favoriser la professionnalisation de leur parcours hors de nos frontières. Le Visual Arts Center d’Austin aux Etats-Unis est associé au programme et accueillera en 2022 l’artiste lauréat pour produire une exposition personnelle dans ses murs. Du 12 février au 23 mai 2021, au Frac Bretagne, Rennes, l’exposition Mauve Zone présente le travail des artistes finalistes.
En attendant de rouvrir ses portes à tou.te.s, le Frac Bretagne accueille les professionnels sur réservation.
Visuel haut de page : Corentin Canesson © Anne-Laure Buffard, Hilary Galbreaith © Sebastiano Pellion di Persano, Camille Girard & Paul Brunet © Margot Montigny, Anaïs Touchot, Alisson Schmitt © Margot Montigny, Samir Mougas
ULTRA by TNHCH
ULTRA by TNHCH
TNHCH (acronyme de The Night He Came Home) est un groupe de rock expérimental né à Rennes en 2013 sous l’impulsion de Corentin Canesson (guitares) et Arthur Beuvier (machines, synthétiseurs).
Au départ davantage concentré sur la création de performances live imaginées dans le cadre de nombreuses manifestations artistiques locales, le duo est rejoint en 2016 par Damien Le Dévédec (basse, chant) et Tim Karbon (batterie, percussions). Ils entament alors l’écriture de leur premier album « Retrospective My Eye » (2017). À la fois un hommage à l’œuvre éponyme de Robert Wyatt et bande-son de l’exposition personnelle de Corentin Canesson au Crédac Centre d’art contemporain d’Ivry-sur-Seine en Janvier 2017, ce premier opus marque la naissance d’un son plus marqué au croisement d’une énergie punk et d’expérimentations électroniques infusées de motifs techno.
À l’été 2019, alors en résidence au centre d’art Lizières fondé par l’artiste pluri-disciplinaire Ramuntcho Matta, le groupe entame l’écriture d’un second album autour des textes du poète et critique d’art Rene Ricard, figure incontournable de l’underground new-yorkais des années 1970. TNHCH est alors renforcé par la présence de Maëla Bescond au chant lead, et leur son commence à osciller progressivement entre un trip-hop sous opioïdes et un post-rock mâtiné de guitares bruitistes et de batteries tribales. À l’issue d’une session intensive d’une semaine de composition et d’enregistrement simultanés, le groupe commence à dessiner les contours du projet « ULTRA », dont l’album est sorti (toujours en indépendant) en Octobre 2020 et dont les pochettes, exposées sur le Mur du Fonds, ont été créées par 30 artistes complices. Chacun·e a été invité·e à réaliser une série de dix œuvres. Au final, trois cents exemplaires témoignent d’un univers graphique fort et montrent à quel point la musique de TNHCH entend garder le lien avec cette formidable scène artistique.
Les artistes
Clémentine Adou
Hélène Baril
Eva Barto
Romane Bourdet
Hugo Capron
Antoine Carbonne
Jean-Damien Charmoille
Mathis Collins, Joël Degbo
Hilary Galbreaith
Muriel Giroux
Charlotte Houette
Hélène Janicot
Ana Jotta
Petr Kirusha
François Lancien-Guilberteau
Bérénice Lefebvre
Renée Levi
Ramuntcho Matta
Jean-François Maurige
Julien Monnerie
Ryu Nishiyama
Marianne Pradier
Jinnie Roche
Lise Stoufflet
Benjamin Swaim
David Tramut
TNHCH
Virginie Vallée
Xiao Wang
Le Mur du Fonds
Dévolu à la présentation d’initiatives éditoriales, le Mur du Fonds fait la part belle à la collection de multiples et livres d’artistes du Frac Bretagne ainsi qu’aux artistes, graphistes, éditeurs et étudiants qui développent une approche originale de l’édition. Très réactive, sa programmation est pensée dans l’échange et en lien avec l’actualité artistique.
En attendant de rouvrir nos portes aux publics, nous accueillons les professionnels sur réservation.
Visuel : Le Mur du Fonds, ULTRA by TNHCH © Frac Bretagne. Crédit photographique : Aurélien Mole